sinónimo de lucro

David G. Torres, Isabel Salgado, Regina Giménez, Rafel G. Bianchi, Eduard Arbós

jueves 31 de mayo de 2012

David G. Torres (Barcelona, 1967) Co-director de A*Desk. Como crítico de arte ha colaborado con “El Cultural”, “Art Press”, “Lápiz”, “Papers dʼArt”, “Lateral”, “Transversal”, “Untitled” o “Circa”. Ha comisariado exposiciones en Bloomberg Space (Londres), Palais de Tokio (París), Macro (Roma), Reikjavij Museum (Reikjavij), la Fundació Joan Miró (Barcelona) o la Fundació “la Caixa” (Barcelona), Bienal de Venecia, 2009 (Pabellón Cataluña). Es director del máster en arte actual de IL3 (Universidad de Barcelona).

Isabel Salgado (Jaca, 1972) Directora de Exposiciones del Área Cultura Obra Social “la Caixa”. Treballo a l’equip d’exposicions de la Fundació “la Caixa” des de l’any 2001 i des del 2006 dirigeixo el Departament d’Exposicions amb el càrrec de sotsdirectora de l’Àrea de Cultura. Soc responsable d’un equip de 14 persones i de tot el programa d’exposicions que generem entre tots. Les meves funcions són l’aplicació de les pautes definides en el pla estratègic de la institució, la definició de les noves línies de creixement en el nostre àmbit (darrerament estem treballant en els programes d’imatge documental, comissariat jove, convenis amb la Generalitat, Louvre, Prado…), la programació de les entre 20 i 30 exposicions que produïm cada any (a banda de programar els casi 7 CaixaForums, també fem exposicions per tot l’estat Espanyol de continguts i formats diversos) la representació institucional i la responsabilitat final de totes les exposicions que produïm. Tot això a través d’una feina en equip, no només amb les 15 persones que treballem en el departament, sinó amb tot l’equip de la Fundació i tot un tramat de professionals externs que contractem temporalment per a cada projecte.

Contenidos:

– El comisariado y la creación independiente. Generaciones emergentes: relevo y alternativas.
– La privatización de la cultura y la responsabilidad de las fundaciones como estímulo de ella en épocas de crisis.
– El nuevo centro de arte contemporáneo de Barcelona: Canódromo vs Fabra i Coats.
– Oportunidades para artistas emergentes y consagrados: opciones de futuro después de las becas y convocatorias.

Conclusiones

Sinónimo de lucro empezó en el 2005, de forma casual. David estaba haciendo el proyecto: “Salir a la calle – Disparar” y en ese momento decidieron crear la web del colectivo. (http://www.sinonimodelucro.net/). El motor principal para esta iniciativa era la necesidad imperante de hacer cosas, debatir y discutir. Comenta David que fue sobre todo la sospecha de que se tenían que ‘hacer cosas al margen de las instituciones, generar espacios de encuentro con gente para hablar y ser escuchados’. Nos situamos en el contexto histórico en el que Manuel Borja Villel dirige el MACBA y la consigna que imperaba en el proyecto de Sinónimo de lucro era la de organizar exposiciones en casa y luego hacer comidas; reclamando la idea de que el mundo artístico no se acaba en el MACBA sino que puede haber vida más allá. Aunque todo el proceso fue muy intuitivo.

El contexto actual

David nos comenta que el contexto de crisis actual, hace que la necesidad sea diferente. Opina que existe una mayor profesionalización en el mundo del arte que nada tiene que ver con la generación que está en el poder – de unos 50 años de edad – y que llegó sin en knowhow. Aprendieron a hacer exposiciones haciéndolas y del mismo modo se configuraron como autores. Estas mismas generaciones que ocupan el poder parecen exigir a la gente joven cosas que a ellos no se les ha exigido nunca. Es una contrariedad y un error pues hace que muchos comisarios jóvenes se sientan frustrados al postular a una beca en la que de antemano se les piden conocimientos expositivos y presupuestarios que difícilmente podrán haber tenido jamás. En definitiva se exige un conocimiento muy difícil de adquirir a priori.

La idea de autor

Existe una precariedad en el trabajo actual que se relaciona con la noción de autor de las generaciones jóvenes. Según palabras de David, es de gran importancia configurarse como autor, sobre todo si nos movemos en el campo del comisariado. En el sector técnico no es tan fundamental pero si a nivel de comisariado, donde debe, de algún modo, predominar una voz de autor. Nos cita ejemplos de comisarios como Martí Manen y otros que han consolidado su autoría como comisarios. David forjó su autoría primero escribiendo en Lápiz, donde nos confiesa fue muy frustrante publicar y no ganar dinero al principio, pero donde poco a poco pudo delimitar su postura y perfilar cierta voz.

Nos cuenta que cuando hubo el primer relevo del MACBA, en la época en la que Miquel Molins dejó paso a Manuel Borja Villel se solía decir: ‘no es lo mismo el poder que la autoridad, y la autoridad está ligada a la autoría’ y por aquel entonces parecía pertenecer a Manel Clot. Hoy en día esta fuerza de la autoridad, como conocimiento necesario para dirigir instituciones artísticas en pro de una politización de la cultura, ha quedado totalmente desdibujada.

Aproximación 1 – El gran problema contemporáneo – política – cultura – economía

En palabras de David, el gran problema ha sido que el discurso político y económico ha sustituido el discurso cultural. Solo se habla de políticas culturales de economía, no es un discurso ético, ni artístico ni siquiera económico. Es sin duda éste discurso el que impera en la ciudad de Barcelona y dibuja una gran problemática.

Hoy en día existe una polémica relacionada con la necesidad de tener un espacio para exponer. David comenta que en realidad no se necesita ningún espacio, se necesita el arte contemporáneo para otras cosas pero no para crear un espacio expositivo. Tiene que haber en primer lugar una justificación social pues el arte contemporáneo es un valor ineludible para la sociedad. El arte no debe ser el motor para que los artistas o gente ganen dinero, sino porque es importante para la sociedad. Hay que prestar especial atención con determinados lobbys que buscan esta subversión.

En cuanto a la situación del Canódromo, David considera que hubo poco revuelo de la generación cultural joven a la hora de manifestarse por el cierre del espacio y considera que esta generación no reivindica este espacio y que por ello la pregunta del porqué debería plantearse. Posiblemente esta generación jamás entendió el Canódromo como un proyecto propio, y se sintió excluida desde un inicio.

Aproximación 2 – Canòdrom vs Fabra i Coats

David es el comisario de la primera exposición que se realiza en Fabra i Coats y que lleva por título: Esto no es una exposición de arte, tampoco. Según nos comenta le ofrecieron hacer la primea exposición porque la idea del programa de Fabra i Coats era generar ciclos curatoriales. Moritz Kung será el comisario de la segunda exposición. Apuntamos igualmente que el centro no tiene una línea curatorial, no tiene ni director cuando se inaugura su primera exposición, ni estructura, ni hoja de ruta, ni programa.

Aún y sabiendo lo controvertido que puede ser aceptar la primera curadoria de Fabra i Coats, David cree sinceramente que no hay suficientes motivos para descartar un proyecto propio cuando se reúnen unas mínimas condiciones económicas para producir obra, para cumplir con los honorarios artísticos, la producción de un catálogo etc. Aun teniendo muy poco margen para idear y producir la exposición considera que es una oportunidad tanto para él como para los artistas preparar la primera exposición del nuevo centro en Fabra i Coats. Opina además que moral y éticamente no se puede decir que no a ningún proyecto que tenga condiciones suficientes para los artistas y presupuesto generoso destinado a la producción de la exposición.

Comentamos que cuando se ofreció a Latitudes llevar la primera curadoría del espacio, se negaron; David cree que fue un error por su parte, pues considera que existe una responsabilidad intelectual primera para con el arte y con la cultura y si como comisario tienes algo que decir y se presenta ante ti una oportunidad de proclamarlo debes hacerlo. Remarca también otra cuestión y es que como freelance  necesita trabajar y esto es trabajo y trabajo es trabajo frente a la situación actual. Le preocupa sinceramente una crítica que no sea constructiva, que siempre sea queja sin alternativas.

Algunos de la mesa creemos que se debe seguir una coherencia con el discurso que se ejecuta tanto cuando eres artista como cuando eres comisario y crítico y David contesta que la coherencia con tu discurso, debe ser intelectual, nunca sindicalista.

Nos comenta que perdió el concurso del Canódromo aunque sabía que ganaría un extranjero pues el jurado formado por gente de Barcelona siempre preferiría un candidato de fuera. Moritz Küng le pareció una decisión más que acertada pero siempre tuvo reticencias hacia el Canódromo pues no le parecía un lugar adecuado. Confiesa también que Fabra i Coats tampoco le parece un buen lugar para un museo pero, en este caso, sí para un centro de creación, porque reúne aspectos interesantes como centro de arte. Se concibe como un espacio de experimentación, de cutting edge.

Isabel proclama que una persona que trabaja en cultura debe dedicarse a la cultura, no a la política. “¿Si existe una oportunidad debemos rechazarla y discutir y hacer política en vez de tomarla y aprovecharla?” El debate empieza y varios de los participantes incidimos en la naturaleza de la figura del comisario que creemos debe de alguna manera posicionarse frente a la realidad que le rodea.

David recalca que se deben separar varias cosas, la idea que uno pueda tener respecto a la posición/papel que podía jugar el Canódromo y lo mal que se ha hecho todo. “Peor no se podría haber hecho, no se ha respetado a quien se escogió.

“Pero lo más importante de todo es observar el barrio del Canódromo -según comenta- los vecinos piden a gritos un centro cívico, no un espacio de creación artística. Ahora mismo, el gran error es que la asociación está en contra, y mientras ellos hablan del Canódormo, apuesta ya perdida, no valoran que Fabra i Coats puede tener cosas positivas, siempre y cuando su gestión se haga con unas condiciones preestablecidas y criterios dictaminados desde la cultura y no la política. Se ha de aceptar Fabra i Coats pero con “collar”. Recalca que el discurso económico, político y fáctico no debe transformarse en discurso cultural, intelectual y de biopolítica.

Aproximación 3 – Des de Santa Mónica…

David nos cuenta la implicación que tuvo en la creación de Santa Mónica y las grandes expectativas que tanto él como parte de la sociedad tenían con respecto al espacio. Padeció mucho sus inicios pero fueron de las mejores experiencias de su carrera profesional ya que pudo trabajar con Miguel Von Haffe tanto ahí como en la bienal de Pontevedra. Afirma que poner en marcha un proyecto es algo muy enriquecedor. Algo que también vivió con el nacimiento de A-Desk.

Cuando se puso en marcha Santa Mónica, se analizo la escena local y se pudo comprobar que existía una generación de 30 a 40, el  middle carreer artist que ya había expuesto en Montcada, en Espai 13 pero parecía que ya no podía exponer en ningún otro lugar. Santa Mónica quiso cubrir este espacio, este nicho. Lamentablemente justo cuando lo hizo, Montcada cayó y el abanico de artistas sin espacios para exponer se amplió.

Santa Mónica empezó con cuatro exposiciones de cinco artistas por año y acabó con un proyecto de tres exposiciones con tres artistas. Mabel Palacín fue una de las primeras que inauguró el centro.  Aún y siendo desalentadora, la caída de Santa Mónica permitió pensar, generar nuevos formatos, nuevas formulas para divulgar conocimiento artístico. De esta manera nació el butlleti una revista de dimensiones prácticas que substituía las exposiciones. La idea era que se pudier leer donde quisieras y además hacer algo en Barcelona que pudiese llegar a Madrid, y por eso se quiso hacer bilingüe. A nivel conceptual no se pretendía hacer crítica de arte, se quería hablar de temas que tomaran como punto de partida el arte pero que se alejaran de la institución.  Antonio Ortega decía que el boletín se basaba en el pisuerguismo. Dado que el “Pisuerga” pasa por Valladolid, se habla de Valladolid, es decir dado que este artista hace algo sobre arte sonoro, el buttletí de ese mes planeta temas sobre arte sonoro… y así funcionó muy bien y por eso espacios como el MACBA, el MUSAC, el Reina Sofía y otros lo tomaron como ejemplo para sus revistas. A diferencia de estas últimas, el butlletí no quería ser una apisonadora y su viabilidad económica permitía una alta distribución en Barcelona y Madrid.

¿Qué posibilidades le ve al comisario joven?

“Hacer lo que sea como sea” dice David – existen unas herramientas que nunca antes han habido que son las de distribución del conocimiento y distribución de la información. Se puede crear una página web y trabajar desde ella. Es en este sentido en que David cree que el comisario joven debe proceder. Explica que ya no necesitamos un catálogo y que debemos olvidarnos de la obra de arte, olvidarse de la pieza única, hay que trabajar en y con otro tipo de formatos.  Comenta que el trabajo en arte y el arte se exponen en una institución pero este conocimiento puede pertenecer a todo el mundo por primera vez, porque hay elementos de difusión y del conocimiento que están al alcance de cualquiera. Entonces, que es lo que justifica que el MACBA exponga a John Baldessari si todo está en Youtube. “¿Existe diferencia real entre ver una película de Baldessari en tu casa sentado en el sofá o en una sala del MACBA?” David cree que hoy en día el conocimiento esta expandido. De ahí que la mayoría de los artistas con los que trabaja en la exposición de Fabra i Coats exploren la noción de conocimiento expandido. Afirma que la obra para vender está en otro lugar… y se pregunta: “¿…cual ha sido el precio que hemos pagado para renunciar a conceptos básicos de los años 70? La muerte del autor, la idea de que cualquiera pueda reproducirlo etc ¿Cuánto hemos pagado por eso? Entonces es cuando te das cuenta que la foto de Chris Barden vale 15 mil dólares cuando en realidad la pieza es saber qué se dispara, no la foto en sí misma…”

Comenta que tanto instituciones como las galerías son muy conscientes del tour de force que existe: “El problema de las galerías es que no están permitiendo que Chris Barden se pegue un tiro en el brazo, no están trabajando sobre un modelo de distribución de conocimiento sino que están trabajando sobre un modelo antiguo con la idea de la pieza única que compran unos ricos coleccionistas. En cuanto vas a Miami lo ves muy claro, ves que ricos compran a bufones. La diferencia entre arte y otras formas/manifestaciones culturales y la música por ejemplo es que la música se vende como experiencia: los conciertos y los directos.”

¿Qué papel juegan las galerías hoy en día?

Nos preguntamos si habría que replantearse que papel juegan las galerías hoy en día en cuanto a la producción y promoción de la creación.

Isabel Salgado nos comenta la situación que existía en Los Ángeles entre 1945 y 1980 que es recogida por la exposición In Focus: 1945-1980 en el The Getty (The J. Paul Getty Museu)

(http://www.getty.edu/art/exhibitions/focus_la/).

“Entre 1945 y 1980 se produjo un proceso cultural en Los Ángeles; el Getty Museum quería mostrarlo a través de una exposición. Las galerías pidieron participar y en primer momento el Getty Museum les negó la participación pero a posteriori vieron que las galerías eran quienes habían posicionado a artistas como Chris Burden, David Hockney etc. Volvieron a llamar a las galerías y las incorporaron en su muestra. Las galerías eran un motor real en ese momento y en ese contexto, determinaron y ampliaron cuestiones sobre espacio, composición de espacio, que delimita el arte etc”.

Las galerías de Barcelona están aún muy alejadas de las instituciones y de los marcos académicos.  Isabel comenta que debería haber más relación entre galerías y museos, más diálogo entre las exposiciones de unos lugares y otros pues serían una retroalimentación que beneficiaría a todos. El gran problema es que la galería parece estar al margen de la actividad cultural que se está haciendo en ese momento en la ciudad.

David nos invita a pensar cuál es la experiencia del arte que se expone en una galería y afirma que no se trata de una experiencia única pues implícita también está la experiencia de compra. Cree que el arte como experiencia funciona muy bien cuando hablas de Rothko pero no funciona con Baldessari… Algunos de los participantes recalcan que sí existe una diferencia generada por la potencia del contexto por mucho que la definición del vídeo, por ejemplo, sea mala. Existe una diferencia entre el catálogo y estar en un contexto determinado en un espacio físico, con un gesto determinado para ir a ver una exposición. Aunque si que es cierto que las galerías deberían apostar por una estructura expansiva.

Deberíamos plantearnos más preguntas en torno a la formalización de la galería, “¿Porqué inauguración? ¿Por qué tres meses? ¿Por qué de 10 a 20.00h? ¿Por qué se establecen esos lapsos de tiempo? ¿Por qué haces exposiciones y el único día que viene gente a la galería es el día de la inauguración pues luego nadie va? Las galerías comerciales casi ya no tienen sentido… o de otra manera… es un espacio más para exponer… Se debería revisar la incidencia que tienen las galerías y replantear su naturaleza y su acción real.” Lanzamos preguntas al aire: ¿Para qué es necesaria la galería?, ¿Para los artistas?, ¿Para el espectador? Los tiempos han cambiando y frente a un momento histórico en el que el coleccionista era más dependiente del galerista ahora está mucho más formado y establece su propio criterio ayudado no tanto por galeristas sino por comisarios o asesores. La infinidad de medios para llegar a la información hace que la figura del galerista deba reorientarse y formarse.

Las galerías son fundamentales para los artistas pues no solo es una manera de profesionalizarse sino también de dar visibilidad a su trabajo permitiendo difusión. Eso sí hay que escoger muy bien con quien exponer y qué galería debe representar al artista. La precariedad del artista hoy en día es tan grande que éste debe reenfocar su práctica y dividirse, también él debe pensar en nuevos formatos y propuestas.

Rol de las incitativas privadas

¿Cómo ayudan las iniciativas privadas a fomentar la creación local? Isabel cree que todas las instituciones que trabajan en arte actual deberían realizar propuestas que incidan de algún modo en las generaciones más jóvenes a nivel práctico y real, para conseguir la profesionalización del sector” la Fundación “la Caixa” lance un programa de comisariado entorno a su colección que se iniciará en enero del 2013 con el objetivo de profesionalizar la labor de los comisarios.

El comisariado y la creación independientes: ¿relevo y alternativas?

Como conclusión debatimos sobre las alternativas de la práctica curatorial y del comisario, agente cultural y artista que debe buscar nuevos formatos, espacios grises, propuestas innovadoras que estén aún por activar y a su disposición. Hacer uso de la expansión del conocimiento y de las herramientas gratuitas que existe y operar con ellas. Analizamos los espacios de creación propios y sostenibles o iniciativas como: “Se alquila” de Iván Ortiz entre otras. (http://sealquilaproyecto.blogspot.com.es/) Del mismo modo pensamos en maneras otras de actuación para galerías, espacios públicos y también privados como motores que tienen la responsabilidad de promover la escena local analizando el capital humano que existe en Barcelona. Debatimos sobre la naturaleza del comisario como agente que debe posicionarse frente a una realidada determinada. Entre otras divagaciones y después de algunas copas de vino concluimos que Catherine Lampert tiene un qué!

Responder

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Cerrar sesión /  Cambiar )

Google photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google. Cerrar sesión /  Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Cerrar sesión /  Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Cerrar sesión /  Cambiar )

Conectando a %s